В музее-заповеднике «Царицыно» открылась выставка «Керамика. Парадоксы». В 10 залах представлено более 150 предметов, которые рассказывают, как развивалось керамическое ремесло от древних времен до наших дней. С открытием музея можно будет осмотреть выставку, а пока «Царицыно» предлагает познакомиться с ней онлайн.

Совместный материал mos.ru и агентства «Мосгортур».

Тысячелетние глиняные горшки

В 1993 году в пещере на юго-востоке Китая археологи нашли горшки, изготовленные более 20 тысяч лет назад. Эта находка позволила говорить о том, что первые попытки обжига глины можно отнести к позднему палеолиту. В таких горшках люди варили кости животных и ракушки, сосуды делали по принципу налепа — кусочки глиняного жгута слепляли в кольца и накладывали друг на друга. Долгое время глиняные сосуды использовались сугубо для бытовых нужд, эстетике не придавалось никакого значения.

С изобретением гончарного круга скорость производства посуды выросла. Используя ручной круг, одной рукой гончар вращал ось, а второй придавал изделию нужную форму. Затем появился круг, маховое колесо которого можно было двигать ногами. Так у мастера освободились обе руки.

Постепенно сосуды начали создавать и как произведения искусства.

Керамика как искусство

Во время раскопок на Крите ученые обнаружили целую фабрику по производству декоративной керамики. Она существовала три с половиной тысячи лет назад и выпускала чашки, вазы и другую посуду, расписанную красками. Гончарный круг греки начали использовать во втором тысячелетии до нашей эры — ученые предполагают, что свои знаменитые вазы из красной глины эллины создавали при помощи этого устройства.

Греческие изделия можно назвать первой художественной керамикой. Древние греки изобрели черный огнеупорный лак — с его помощью на вазах изображали богов и героев мифов. Чуть позже в Египте и Вавилоне на керамику начали наносить стекловидное покрытие — глазурь. Такие изделия назвали майоликой.

Технику майолики на Пиренейский полуостров из Средней и Центральной Азии привезли мусульманские гончары. Они хотели придавать своим изделиям как можно более роскошный вид, но использовать драгоценные металлы им запрещала религия. Поэтому они нашли выход: изобрели специальные краски, которые после обжига придавали предмету золотой и перламутровый оттенок. Казалось, что все созданные ими сосуды, вазы и блюда были сделаны из золота и серебра. Такая посуда украшала интерьеры дворцов и домов знати.

Однако своего расцвета майолика достигла лишь в XVII веке в Италии. Технику усовершенствовали, полностью изменили стиль — теперь мастера использовали в росписи новый орнамент, который назвали арабеска (узор из геометрических фигур и растительных элементов). В XVII веке технику итальянской майолики стали применять во Франции и Голландии, где местные мастера расписывали керамические изделия тонкими кружевными узорами.

В это время англичане ввели моду на фаянс и фарфор — белую керамику. Одним из самых известных мастеров XVIII века стал Джозайя Веджвуд. Он открыл фабрику по производству фаянсовой посуды и создал по заказу императрицы Екатерины II столовый сервиз на 50 персон.

В нашей стране художественную керамику начали делать в XVII веке. Но первая мануфактура по созданию майолики появилась только в XVIII столетии, когда купец Афанасий Гребенщиков в 1724 году открыл в Москве завод по производству изразцов и курительных трубок. В 1740-е там начали выпускать и майоликовую посуду. Еще через 30 лет завод закрылся, потому что не выдерживал конкуренции с гжельскими предприятиями, где делали не только посуду, но и кирпич, трубы, изразцы, детские игрушки. Эти заводы и мастерские стали выпускать и изделия из майолики, фаянса и фарфора, многие из них расписывали исключительно голубой краской — гжельской росписью.

Знаменитые некерамисты

С середины XX века художественная керамика стала одним из основных направлений мирового декоративно-прикладного искусства. В Европе появлялись школы керамики, искусство обжига глины приобретало национальные черты. Например, британские мастера первыми экспериментировали с пластичностью глины, а немецкие разрабатывали собственные технологии отливки изделий.

Керамикой интересовались и известные художники, одним из них был основоположник кубизма Пабло Пикассо. Технологию обжига глины он начал изучать в 60 лет.

В конце 1940-х годов художник жил на юге Франции рядом с городком Валлорис, в котором однажды на ярмарке познакомился с владельцами керамической мастерской. Следующие 15 лет он работал в том числе с плоской керамикой, в его исполнении изделия были похожи на картины — с тем только отличием, что изображения располагались не на холсте, а на табличках и блюдах. При работе с объемной керамикой Пикассо никогда не использовал гончарный круг, поэтому его чаши и вазы больше напоминали скульптуры. Он создал много объемных произведений в анималистическом жанре, среди которых «Сова» и «Дерево, сова, женщина», соединил художественную керамику со скульптурой, делая рельефные кувшины с очертаниями птиц и вазы в виде женских голов.

В середине прошлого века стало известно имя французского живописца Фернана Леже, он начал создавать большие керамические скульптуры для общественных мест. В библиотеках, детских садах и парках появились «Шагающий цветок», «Большой петух», «Детский сад», «Цветок-солнце» и другие его работы.

Итальянский художник-абстракционист Лучо Фонтана тоже с огромным уважением относился к керамике, используя ее в своих первых опытах со скульптурой. Знаменитая серия «Распятия» — это 12 керамических крестов, покрытых цветной глазурью, со множеством мелких деталей и чертами стиля барокко.

Отечественные мастера

Российские художники обратили внимание на керамику как на материал декоративного искусства на рубеже XIX–XX веков. Обожженная глина привлекла их пластичностью форм, цветовым разнообразием и потенциалом для творческих экспериментов.

В 1880-х предприниматель и меценат Савва Мамонтов организовал в своей усадьбе в Абрамцеве кружок, где открыл ремесленные мастерские и собрал представителей творческой интеллигенции. Среди них был художник Михаил Врубель, который внес большой вклад в возрождение и развитие русской керамики.

Семья девочки с персиками. История династии Мамонтовых

Он изучил технологию обжига и создания керамических изделий и изобрел новые методы работы с глиной. Именно благодаря ему в моду вошла бракованная переливающаяся майолика — после восстановительного обжига керамические предметы начинали блестеть, и многие мастера, ценившие чистоту цвета, считали такие изделия испорченными. Но Врубель превратил брак в украшение — он придумал использовать для изделий нестандартную плитку, а фигурные фрагменты, благодаря чему керамика становилась похожей на мозаику. Он применял идею в создании скульптур, печей, каминов, надгробий. Так были созданы бюст «Садко», камин «Микула Селянинович и Вольга» и майоликовое панно «Принцесса Греза» на главном фасаде гостиницы «Метрополь».

Развитие отечественной керамики как декоративно-прикладного искусства произошло во второй половине XX века. Тогда вазы, блюда, кувшины разных форм и размеров, украшенные росписью или глазурью, показывали в художественных салонах. Художники, создавшие их, участвовали в международных выставках. Настоящий керамический бум пришелся на вторую половину 1960-х — начало 1970-х годов. Особое внимание стало уделяться индивидуальному стилю автора.

В 1970–1980-х годах среди советских художников появилась группа ленинградских керамистов. В 1977-м выпускники кафедры керамики Ленинградского высшего художественно-промышленного училища имени Веры Мухиной организовали в стенах местного отделения Союза художников первую закрытую выставку без цензуры. Каждый из 16 участников представил одну-единственную работу на собственный выбор, выставку так и назвали — «Одна композиция». Так же стала называться и сама группа. В дальнейшем выставка проходила каждый год вплоть до 1987-го. Ленинградские художники на это время стали законодателями моды в декоративном искусстве. Во главу угла они ставили творческую свободу, архитектурное мышление при работе с керамикой и совершенство техники росписи.

Эпоха на блюдечке: изучаем агитационный фарфор из коллекции музея керамики в Кускове Крылатая судьба. Рассматриваем легендарного «Сокола» Алексея Сотникова

В число наиболее заметных участников группы «Одна композиция» входили заслуженные художники Российской Федерации Владимир Гориславцев и Александр Задорин. Первый расписывал предметы изображениями Санкт-Петербурга, а второй экспериментировал с жанрами и формой керамических сосудов.

Современная керамика

Сегодня художники сочетают глину с деревом и мрамором, железом и стеклом. Они соединяют в работах восточные и западные стили, много экспериментируют. Темы, к которым обращаются керамисты, очень разнообразны: любовь, семья, экология, религия. Например, «Лиричные гастарбайтеры» Елены Скворцовой убирают снег и листву и поливают цветы, а уставшие солдаты Маргариты Юрковой спасают иконы.

Петербургская художница Наталия Савинова касается в керамических работах тем путешествий и семьи. На панно «Лето» она изобразила, как женщина развешивает на улице мокрое белье. Грубость материала изделия сочетается с изяществом росписи.

Образ дома часто присутствует в работах французского художника Бориса Каппа. Он создал серию миниатюрных домиков с помощью специальной печи дровяного обжига — ноборигамы. Художник подчеркивает: когда он изготавливает эти домики, то говорит о человеке.

Плоская керамика (или пласты, как это называют профессионалы) — это настоящие картины, написанные на глине. С ней работают, например, Елена Скворцова и Полина Метелькова. На выставке можно увидеть созданные ими «Портреты деревьев» и композицию «На катке».